Ilka Becker

Cliffhanger

Sulla pittura di Markus Saile

Le immagini sono semplici a prima vista. Strati su strato, forme e forme trasparenti e opache in toni colorati si sovrappongono e si stratificano uno accanto all'altro. Cuscini o ganci galleggianti verdastri; frastagliati e appuntiti, o marrone chiaro e gialli e altri colori entrano in dialogo l'uno con l'altro, carichi di tutte le loro impronte storiche. Non è chiaro se le forme siano forme astratte, o assumano impressioni di paesaggi, spazi, macchie o organismi: dipende da quale angolo si sceglie e quali qualità si desidera notare.

I dipinti sviluppano la loro complessità attraverso un aspetto del tempo, catturato tra la loro stratificazione e strati. Questo aspetto del tempo non è solo cruciale in termini di ciò che vediamo sulla tela, ma è anche importante prima che il pennello venga assorbito, nel tempo trascorso mescolando e preparando la pittura.

Questo odore che spinge i pittori nello studio ogni giorno, è come se i solventi potessero rilasciare direttamente le immagini dalla testa dell'artista e farle scorrere direttamente nella pittura. Nel caso dei dipinti di Markus Saile, le prime decisioni non sono fatte davanti alla tela, ma sono anche fatte sul tavolo mescolando la vernice. La tela non è una superficie neutra vuota, che può essere utilizzata per eseguire una decisione presa in precedenza. La tela risponde ad un'altra logica del tempo. Che tipo di logica è sua?

Nel suo libro su Francis Bacon Gilles Deleuze scrive, che ogni immagine è preceduta da un lavoro preparatorio. Nel corso di questo lavoro la mente del pittore è già in stretta connessione con la tela e le sue condizioni. (1) Questo pensiero potrebbe essere continuato: Inscritto nella tela è la sua natura storica e la sua natura anacronistica nel campo dell'arte contemporanea. Durante il lavoro preparatorio stai già entrando nell'atto di dipingere. Quest'ultimo consiste nel tormentarsi con le condizioni più o meno figurative e come lavorare con loro, per renderle inconciliabili, per strattonarle, pulirle o coprirle. Inoltre il lavoro preparatorio richiede parecchio tempo. Nel caso di Markus Saile, durante questo processo le osservazioni dettagliate si sovrappongono a vaghe impressioni, create da una certa atmosfera in una situazione quotidiana o da immagini filmiche. Spesso un certo colore atmosferico si deposita sulla tela, come una nota musicale, da cui è possibile sviluppare ulteriormente il processo pittorico. Segue poi la dispersione di ulteriore vernice; pennellate insignificanti e ribelli, risultanti da un certo movimento della mano che definisce negativamente uno spazio, o che attraversa i bordi del dipinto - una topografia pittorica piena di riferimenti tattili.

Ogni applicazione di colore riallinea i riferimenti all'interno del dipinto. A volte i paesaggi di situazioni spaziali fungono da vettori per una direzione in cui è guidato il processo della pittura. Ma soprattutto questo è il risultato di lasciare una scia scelta, quando nuove possibilità; un nuovo spazio, un passaggio o un tunnel appaiono all'interno del dipinto. Durante questo processo il dipinto non dovrebbe essere visto come uno stato di deficienza nel suo percorso verso il completamento, invece ogni strato che viene applicato dovrebbe essere visto come un'entità, un processo continuo che rende visibili le possibilità del processo. Il processo di pittura non è organizzato da codici astratti né è strettamente strutturato, ma piuttosto ciascuno dei dipinti di Saile è singolare e autonomo.

Il modo in cui la vernice viene lavata via o dipinta di nuovo, gli strati di vernice aggiunti o portati via, il rappresentante e il non significativo, le parti marcate e vuote - si accumulano a frizioni selvagge: alternando e spostando tra la classica immagine-come-finestra (nel regno della rappresentazione) e l'immagine schematica (nel regno dei problemi pittorici), al fine di tenere conto di un altro concetto baconiano. (2) Si tratta di un diagramma del tempo. Possono essere intesi come un certo stato all'interno di un processo aperto che non segue un corso lineare, ma causa costantemente nuove decisioni.

 Il tempo immerso nella struttura dei dipinti dà ai colori applicati l'accesso per diffondersi, fondersi e sfumare. I colori non si fermano a fare apparizioni, non importa quanto a lungo li guardi. Di conseguenza lo schema non è uno schema visivo prefabbricato, ma invece è una mappa dell'equilibrio di forze che emerge durante il processo di pittura, da sperimentare durante la lettura del dipinto. In alcuni dei dipinti queste forze alludono a un centro in cui si incontrano, in altri casi saltano oltre i confini del dipinto e si impossessano del muro o di altri dipinti vicini; come Cliffhangers non seriale, dipingendo con una punta aperta.